李鴻其想當導演很久了。大家總說，他是受電影之神眷顧之人。2015年，他加入《醉・生夢死》劇組，一開始只是想做個場記，卻被導演張作驥拉去訓練、排戲，成了故事裡的「老鼠」，拿下第52屆金馬獎最佳新演員。而後他出演馬來西亞導演何蔚庭的《幸福城市》、中國導演畢贛的《地球最後的夜晚》、台裔美籍導演楊維榕的《虎尾》，還有《風平浪靜》、《明天你是否依然愛我》等中國商業電影，前程似錦。曾有電影公司捧著大筆預算找他拍電影，但他回絕，「因為他沒辦法讓我做我要做的。」對李鴻其而言，創作不該被如此侷限。
2023年，他交出執導的首部長片《愛是一把槍》，拿下第80屆威尼斯影展「未來之獅獎」（Lion of the Future）——那是威尼斯影展獻給新導演的最高榮耀，而他是首位拿下這座獎的台灣人。「此部處女作是部暗黑且生猛的新黑色電影，繼承李滄東、刁亦男、王家衛之風格。」威尼斯國際影評人週單元頁上如此形容。
星光固然耀眼，但批評隨著讚美一同到來，製作上的一些缺失明顯地被觀眾點出，例如聲音就是一例，李鴻其談到：「聲音很糟我理解，說實話我有點自私，其實當初我沒有要把這個片子播出來。拍這部片有一點像是我在練功，完全沒有打算面對觀眾。」或許也因此，才讓他的鏡頭生猛而瀟灑。
用故鄉和小時候的綽號拍電影，從一連串人生的意外到那把「槍」
故事的誕生如同近年許多作品，源於COVID-19。但李鴻其想說的不是疫情下的苦，而是純然的壓抑，「那時候全世界停止下來，好像被什麼控制了，又好像沒有；好像什麼都可以做，又好像什麼都不能做，好壓抑好煩。」。
李鴻其聊到，每次回到金山老家，就會找朋友聚聚。一次朋友開口跟他借個幾萬，媽媽出了點事，機車、家當能賣的都賣了，錢就是不夠。這件事他一直放在心裡，總覺得哪裡不太對勁，便問台北的朋友，如果家裡有些狀況，臨時需要二三十萬，拿不拿得出來，「八九成的人說拿不出來，這好像是我身旁大部分朋友會遇到的問題。如果沒有遇到這種狀況，人們可以自在地活，但生命中不可能不遇到意外。現在的年輕人很困難。」李鴻其如是說。
《愛是一把槍》的故事，就從這樣的「意外」狀況開始。主角蕃薯出獄後，在金山海邊出租傘，一天賺幾百還算活得不錯，但一通母親需要借錢的電話就打破他的安穩，只好跟隨故友「帽子」，過回討債生活，對於母親的愛，逼著他握起槍托。
主角被情勢所逼，拍攝也受到疫情所困，像是故事場景原本在台北，不在金山。2020年的跨年，李鴻其以不造成群聚的五人小團隊開拍，預算僅有自掏腰包的200萬，起初，他們用類紀錄片的方式創作，在台北邊走、邊拍、邊改故事。很快地三級警戒，拍攝被迫中斷數個月，他的下一部片都準備開拍了，「可是拍《愛是一把槍》的這台車開了，不能中途要所有人下車，自己就走掉吧。所以我們就改劇本，把場景移到金山，花13天拍完。」
蕃薯是李鴻其的小時的綽號，金山是他的故鄉，回到這裡拍第一部電影，彷彿是注定。在害怕染疫、時間壓力、預算有限的情況下，他摸索著創作的質地，造就電影壓抑而膽怯的基調。
崇尚台灣新電影，跳脫線性敘事挑戰觀眾
近年，台灣電影走向類型及產業化，面向群眾，讓觀眾的情感隨著主角的步伐，每一個細節都說得扎實。但李鴻其崇尚的是台灣新電影導演侯孝賢、楊德昌，愛看角色們在鏡頭裡煮飯、吃飯，唱歌跳舞，好似沒有目的的日常細節。若是看不懂，沒關係，就浸在裡面感受著。
「我的胃口是被金馬影展養的。」他笑著說，英國導演德瑞克賈曼（Derek Jarman）的《藍》——一部純藍的電影——便是在影展所看，再也難忘，「我也不知道它在講什麼，但每一次聊天都會談到這種看不懂的電影，好像冥冥之中吸取了它的養分，所以我也想拍這種電影。」
電影沒有必然的模樣，拍攝的過程，李鴻其也在思考，自己的電影要長什麼模樣。或許是因為資訊的破碎與快速，時代總追求著標準答案與捷徑，但李鴻其不想，也沒有打算解答，「電影一定要告訴觀眾什麼嗎？一定要說他因為怎樣，所以這樣嗎？我必須很強硬的丟給觀眾，我就是不想告訴你。」
像是《愛是一把槍》裡，神秘的七號同學與蕃薯是什麼關係？認作乾媽的海洋，是詛咒還是祝福？李鴻其不給電影安上句號，以逗號作結，中間發生什麼，接下來會有什麼，交由觀眾自己捉摸。「有時候我會不小心把劇情拿掉，只想看他的形體。時間好長喔，觀眾會受不了，沒關係再給他一分鐘，產生憤怒感，我的效果就達到了。」他開玩笑地說。
曾以為自己搞砸了，用初剪感動投資方換來更多自由
如今看來侃侃而談的李鴻其，其實曾以為自己把《愛是一把槍》搞砸了。
拍完後，初剪一版在他的電腦裡躺了快一年，總覺得少了點什麼，不敢給別人看，怕受傷。直到某天喝了酒，播給女友王紫璇看，她說：「我很愛這部電影，一定要把它完成，播出來！」才帶著影片給製片單佐龍看，看完，沈默一下，他說：「我對拍電影又感到了熱情。」並找來了第三期拍攝資金，那是前兩期拍攝的好幾倍，毫無干涉，任由李鴻其去嘗試。
有了資金，疫情也減緩，他把有所紕漏的片段都抓來重拍，連七號同學的戲中戲、黑道火拼場景也加拍，但最後幾乎都沒用上。「剪接師秦亞楠看了我補拍的東西後說，那已經失去在疫情期間大家很壓抑、很害怕，不知道在幹嘛的狀態。因為大家都已經很清楚知道要怎麼演了，變成一種『我要開始跟你說故事了』的樣子。」
《愛是一把槍》風格算是給秦亞楠定調的，他要李鴻其別怕，放膽剪，不去管觀眾的懂與否，理清出自己想展現的是什麼。最終，李鴻其把所有最自然的捕捉保留，即使聲音不夠良好，有些瑕疵——他要的是純粹和真實。
把戲都磨掉了才好，衝突後的寧靜特別有詩意
殺青酒的那天，飾演七號同學的林映唯哭了，不是因為拍戲太辛苦，而是自己不懂到底拍了什麼，覺得沒幫上忙。「其實我有時候也不知道自己在幹嘛，寫完的劇本、腦海的想像，跟拍的時候是完全不一樣的，要不斷嘗試。」李鴻其說。
他常常一顆長鏡頭要拍十遍。電影裡的開場，前景是一群好友烤肉聊天，後景是番薯與其一老友吵了起來，那顆鏡頭拍到演員們真的把話聊開，不管喊不喊「卡」，依舊聊著房價。來來回回，演員倦了，慣了，戲都磨掉了，之後衍伸出來的狀態，才是李鴻其要的。
電影看似不慍不火，像一陣陣煙火，衝突發生在隱與現之間。李鴻其捨去戲劇性的場面，抹除蕃薯不想面對的細節，「我想呈現衝突後的安靜」他說。在主流把電影拍實的年代，他拍了一部滿是虛的作品，留下遐想與詩意。
文／麥恩
責任編輯／朱予安、許容榕
核稿編輯／李羏
